Roger-Edgar Gillet : la profondeur d’une œuvre discrète au Musée Estrine de Saint-Rémy-de-Provence

Figure majeure de la peinture française abstraite, Roger-Edgar Gillet est resté paradoxalement en retrait de la mémoire collective. Jusqu’au 7 juin 2026, le Musée Estrine, à Saint-Rémy-de-Provence, lui consacre une exposition d’envergure intitulée La grande dérision, une initiative curatoriale qui suivra son cours au Musée des Beaux-Arts de Rennes. (27 juin - 20 septembre 2026)

Exposition de Roger-Edgard Gillet, maître discret du XXe siècle, au Musée Estrine de Saint-Rémy-de-Provence

Un peintre oublié du XXe siècle

Depuis les années 1950, Roger-Edgard Gillet développe une œuvre à la frontière de l’abstraction et de la figuration. Si certaines de ses toiles ont intégré d’importantes collections publiques, comme le Musée Beaubourg et le musée d’Art Moderne de Paris, son nom est progressivement tombé dans l’oubli. Pour ranimer la reconnaissance des œuvres de Gillet dans nos mémoires, La grande dérision s'inscrit dans une volonté affirmée de restitution. « Notre rôle est de retisser objectivement », souligne Elisa Farran, la conservatrice et directrice du musée Estrine.

L'attention de collectionneurs influents

Dans le Paris d’après-guerre, Gillet fréquente les cercles artistiques liés à l’abstraction lyrique. Ses premières expositions personnelles attirent rapidement l’attention de collectionneurs influents, sensibles à la singularité de son langage plastique. Des œuvres telles que Sans titre (1952) et Le Règne végétal (1953) laissent apparaître des structures verticales traversées de formes cruciformes, d’imbrications organiques, et d’austérité chromatique, témoignant d’une affinité avec le travail d'Antoni Tàpies.

"L'important, c'est de perturber le regard"

Dans la décennie suivante, son langage bascule. Profondément humaniste, Gillet nourrit sa peinture des images de son temps : télévision, conflits, fractures politiques. Un regard cynique sur le monde prend forme. Il développe une vision critique qui dialogue avec les héritages de Francisco de Goya, Théodore Géricault, Eugène Delacroix ou James Ensor. Des visages émergent, lacérés, instables ; des corps s’agglutinent en masses anonymes. « L’important, c’est de perturber le regard », affirme-t-il. Travaillées au couteau, les toiles façonnent des traces de matière épaisse qui accentuent cette densité picturale autour d’une palette sombre et monochromatique.

Une scénographie presque théâtrale

L’accrochage du musée Estrine accompagne cette intensité. Déployée sur deux niveaux, la scénographie adopte une tonalité presque théâtrale : murs rouge ocre mat et lisse, écho direct à la palette de l’artiste dans Le Harem (Signal) 1969, une œuvre majeure figurant des corps nus entassés et des têtes consciencieusement enlaidies. Immergées dans ce contraste, les œuvres de Gillet oscillent entre un malaise viscéral persistant et une mise à distance critique des constructions sociales qui façonnent notre perception de la beauté.

Lumières écrasées par le soleil

Dans l'œuvre Un tas de gens (1966), collection du Musée d’art moderne de Paris, Gillet fait écho au film Nuit et Brouillard d’Alain Resnais, qui met en mémoire des camps d'extermination, les oubliés des guerres, des révolutions et des famines. Les années 1970 sont marquées par des séjours en Tunisie. Gillet explore les architectures du monde oriental, les lumières écrasées par le soleil et les tons sables dans une série d’une trentaine de toiles où villes et figures s’empilent et s'amoncèlent.

Vers un expressionnisme tourmenté

A la fin de sa vie, la cécité le gagne, il peint une série de portraits, Le Philosophe (1996), les Apôtres (1997), des têtes défigurées, emmitouflées par des masques de matières, comme prisonniers. C’est ainsi que l'œuvre de Roger-Edgar Gillet se rapproche davantage d’un expressionnisme tourmenté que d’une abstraction informelle. Au travers du temps, il déforme le réel pour révéler ce qui dérange. Dans l’outrance et le non-dit, il retient la satire. Redécouvrir aujourd’hui son travail, c’est se confronter à une humanité traversée de révolte et d’angoisse. Une peinture qui résonne pour certains avec un sentiment présent et collectif.